Dedico este texto a Pedro Curi, Talitha Ferraz, Claudia Belém, Marcela Soalheiro, Gabriel Marinho y Pedro Butcher, maestros que en diferentes momentos hicieron de la formación una manera de construir un mercado y ayudaron a hacer del cine un camino posible para aquellos que todavía estaban tratando de entender dónde podría estar dentro de él.
Durante mucho tiempo en Brasil, elegir el cine como profesión significaba explicar la elección antes incluso de comenzar una carrera. No porque el cine fuera desconocido. Al contrario. El país siempre ha tenido una intensa relación con sus películas, actores, directores, salas y festivales. Lo que faltaba era una percepción más clara de que detrás de lo que llegó a la pantalla, había una cadena profesional tan compleja como la de cualquier otra industria. Para un niño, decir que quería ser médico, abogado o ingeniero fue acompañado por una imagen reconocible por profesión. Había universidad, especialización, concurso, oficina, hospital, compañía. El cine apareció en otro disco. Se asoció con la vocación artística, el talento individual o una oportunidad que podría surgir en algún momento. La industria estaba allí, pero sus caminos no eran visibles. Y cuando una profesión no es visible, apenas aparece como una posibilidad concreta del futuro. Esto puede ser una de las razones por las cuales tantas personas que trabajan con el cine hoy han llegado al sector a través de rutas no lineales. No necesariamente porque la industria era pequeña, pero porque era difícil ver su estructura antes de que estuviera dentro.
Esta percepción comenzó a cambiar significativamente en las últimas décadas, y una de las transformaciones más importantes ocurrió precisamente en la formación. El cine comenzó a ocupar un espacio más amplio dentro de las instituciones educativas, con la creación y ampliación de cursos de pregrado, formación técnica y otras modalidades centradas en el audiovisual. La historia misma de la educación universitaria en el área muestra que este movimiento no es reciente. El curso de Cine de la Escuela de Comunicación y Artes de la USP comenzó sus actividades a finales del decenio de 1960, en un contexto en el que la formación específica en el cine seguía siendo bastante restringida. La expansión adquirió nuevas dimensiones en las décadas siguientes, especialmente con la ampliación de la educación superior pública. La encuesta más reciente realizada por el Departamento de Asuntos Audiovisuales del Ministerio de Cultura, en colaboración con la Organización de los Estados Iberoamericanos, identificó 47 cursos de capacitación en cine y audiovisual dentro del ámbito investigado, distribuidos por 34 instituciones federales: 20 universidades y 14 institutos federales, con presencia en 19 estados. El estudio considera el grado, grado, tecnólogo y técnico, así como áreas como cine, cine y audiovisual, animación, juegos digitales, producción multimedia y producción de audio y vídeo. Los datos más importantes, para mí, no son sólo en cantidad. Es en el hecho de que el propio Ministerio de Cultura comenzó a mapear la formación de la relación entre la enseñanza y la cadena de producción, investigando para qué sectores y actividades audiovisuales estos cursos están preparando a sus estudiantes. Esto muestra un cambio de comprensión. Entrenar a alguien para el audiovisual no significa simplemente enseñarles cómo hacer una película. También significa presentar las estructuras que permiten una obra para ser producida, terminada, distribuida, exhibida, conservada y discutida. Aquí es donde pienso Pedro Curi, Talitha Ferraz, Claudia Belém, Gabriel Marinho y Pedro Butcher. Lo que reconozco en ellos no es sólo la transmisión del conocimiento, sino un entendimiento de que los profesionales de formación también es una manera de ampliar el campo de acción del cine.
Pero la formación institucional nunca fue el único responsable de esta transformación. Mientras que las universidades y las escuelas expandieron sus espacios, otra estructura de aprendizaje creció en paralelo, en un ambiente que las generaciones jóvenes comenzaron a asistir desde muy temprano en: Internet. La relación con el cine comenzó a ser mediada también por personas que no necesariamente hablaban de una universidad, un periódico o una institución cultural. Los creadores comenzaron a producir análisis, opiniones, entrevistas, videos de historia del cine y discusiones sobre películas para sus propios públicos. Esto creó una capa intermedia entre el espectador y la formación formal. Lully es una referencia importante en este proceso. Desde 2011, Luisa Clasen ha producido contenido sobre el cine en Internet. Fue directora de cine y video de UNESPAR, y también asistió a la Academia de Cine de Nueva York y a la Academia Internacional de Cine y TV. Su trabajo acumulaba cientos de vídeos y posteriormente se desarrolló en proyectos como el laboratorio de cine podcast, creado precisamente con la propuesta de analizar y comprender mejor las películas. Carol Moreira construyó una trayectoria similar para transformar el interés en el cine y la televisión en una producción continua para un público digital. Rafa Dias representa otra dimensión de este fenómeno. Se graduó de George Brown College en Canadá por televisión antes de crear el "One-Face Show" en Internet. El experimento condujo más tarde a la creación del Día de Estudio y, más tarde, DiaTV. Son trayectorias diferentes, y no tendría sentido ponerlas dentro de la misma fórmula. Lo que tienen en común es algo más simple: mostraron, para aquellos que acompañaban desde fuera, que había trabajo posible en ese territorio. No sólo trabajar en hacer películas, sino trabajar en hablar de cine, producir contenido, entrevistar personas, crear comunidades y desarrollar nuevos formatos.
Este aspecto es particularmente relevante cuando pensamos en quién está llegando al mercado ahora. Hay una tendencia a tratar a las nuevas generaciones sólo de sus hábitos de consumo, como si la presencia de streaming o redes sociales hubiera creado una relación necesariamente más distante con la sala de cine. Los datos recientes son más interesantes que esa conclusión. En los Estados Unidos, el informe 2025 de Cinema United señaló que la frecuencia de Generación Z a cines aumentó en un 25% en comparación con el año anterior. El promedio fue de 4,9 a 6,1 viajes anuales, mientras que el 41% de los espectadores de Generation Z fueron al cine seis veces o más en el año, en comparación con el 31% en 2024. Es importante no convertir este número en una declaración sobre todo el público joven o transportarlo automáticamente a Brasil. El debate internacional sobre el comportamiento de este grupo de edad muestra que diferentes estudios pueden producir diferentes retratos dependiendo de la muestra y metodología. Una reciente revisión del Atlántico, por ejemplo, señala la diferencia entre la investigación realizada con los cineastas y datos más amplios sobre la frecuencia de los adultos jóvenes a las salas. Por lo tanto, el punto no es decir que toda una generación ha regresado al cine o que han ido a asistirlo más que todos los anteriores. Es reconocer que su relación con el audiovisual tiene lugar en un entorno mucho más amplio, en el que el descubrimiento de una película puede comenzar en una red social, pasar por un video de análisis, continuar en una conversación en línea y terminar dentro de una habitación. Para aquellos que entran en este sector profesionalmente, esta experiencia de circulación entre diferentes pantallas también produce repertorio sobre el funcionamiento mismo del audiovisual.
Eso cambia la forma en que pienso en mi papel como curador. Curar un programa de cine no es sólo decidir qué temas son importantes para el mercado. Es también pensar en cómo estos asuntos pueden ser presentados a personas que vienen a la conversación de diferentes lugares. Cuando pienso en un panel, hay una pregunta antes de la invitación de cualquier participante: ¿por qué alguien que ahora viene al mercado quiere escuchar esta conversación? La respuesta no puede ser simplemente porque ese profesional es importante. La relevancia de un nombre para aquellos que ya están dentro de la industria no garantiza en sí mismo que su trayectoria o conocimiento tienen sentido para aquellos que todavía están tratando de encontrar su lugar. Eso cambia la forma en que pienso en curar. Un buen panel necesita producir información, pero también necesita producir reconocimiento. Necesitas hacer que alguien mire una función que nunca has considerado y te has dado cuenta de que hay una posibilidad de carrera allí. Necesitas acercar los asuntos que, dentro del mercado, son tratados a menudo como segmentos separados, pero para aquellos que están empezando a ser parte de la misma pregunta: ¿cómo funciona esta industria y dónde puedo actuar dentro de ella? Cuando construyo un programa para EXPOCINE, este razonamiento está presente. No es suficiente para poner a la gente relevante en el escenario. Es necesario construir conversaciones que tengan algún uso para aquellos que vienen, para los que están estudiando, para aquellos que están cambiando áreas y también para aquellos que ya trabajan en el sector, pero necesitan entender a dónde va. Por lo tanto, el desafío de la curaduría no es sólo reunir expertos. Es construir un puente entre el conocimiento que tiene la industria y las cuestiones de aquellos que aún no conocen plenamente esta industria.
Es desde esta perspectiva que nació el panel "Te hice elegir cine", que creé para EXPOCINE, con Lully en mediación. El título comienza por una provocación, pero la pregunta es bastante objetiva: ¿quiénes son las personas que nos hicieron darse cuenta de que el cine podría ser una profesión? La respuesta puede ser en un maestro, en un profesional que abrió una puerta, en un colega, en una película, en un festival o en un creador que apareció en la pantalla de un ordenador cuando todavía no sabíamos exactamente lo que queríamos hacer. Poner a Lully en esta conversación tiene un significado especial porque representa sólo una de estas formas de referencia que surgieron fuera de las formas tradicionales de formación y que se convirtió en parte de la construcción del panel repertorio no fue pensado. Es parte de una experiencia personal para discutir un fenómeno más grande. Si los creadores de contenidos ayudaron a acercar el audiovisual, entender y profesionalmente imaginable a aquellos externos, tiene sentido preguntar qué son estas referencias producidas en una generación que llegó al mercado por diferentes caminos. Y también tiene sentido poner estas voces en contacto con profesionales que trabajan directamente en la industria.
Para mí, esta es una de las funciones más importantes de un panel profesional. Un evento de mercado también puede presentar una profesión que alguien aún no sabía, explicar un área de actividad, poner a un estudiante en contacto con un profesional o simplemente ayudar a una persona a hacer una pregunta que todavía no podía hacer. Este tipo de impacto no se puede medir inmediatamente. Tampoco creo que cada conversación tenga que llevar a cabo la responsabilidad de transformar una trayectoria profesional, pero hay valor en poner referencias en el camino de los que vienen. Una persona que participa en una discusión sobre la distribución puede encontrar que hay una carrera allí. Alguien que acompaña una conversación sobre la exposición puede darse cuenta de que el cine no termina en la producción. Aquellos que vienen interesados en las películas pueden descubrir áreas tales como programación, investigación, tecnología, accesibilidad, marketing, preservación o desarrollo del público. El mercado se vuelve más comprensible cuando sus diferentes etapas dejan de aparecer como compartimentos aislados. Y este conocimiento puede ser especialmente importante en un momento en que la dimensión misma de la actividad cinematográfica brasileña es expresiva. En 2025, el país registró 115.726.450 espectadores, 871 cines y 3.596 habitaciones. Se abrieron 81 habitaciones y se cerraron 44 durante todo el año. Estas cifras no eliminan los problemas estructurales del sector y no significan que haya suficiente trabajo para todos los que deseen entrar. Ayudan, sin embargo, a escalar una cadena que requiere profesionales en muchas áreas diferentes. La industria no es sólo lo que aparece en los créditos de una película. Hay una estructura de producción, distribución, exposición y relación con el público que necesita profesionales especializados.
Tal vez es sólo este cambio de escala que ayuda a explicar por qué la elección del cine puede ser diferente para aquellos que están entrando ahora. El cine sigue siendo una profesión difícil. Sigue siendo un sector competitivo, sujeto a ciclos económicos, concentración de oportunidades y diferencias importantes en el acceso. Lo que ha cambiado es la cantidad de instrumentos disponibles para que alguien descubra esta profesión antes de tener que depender de las posibilidades. Hay cursos, maestros, festivales, talleres, programas de formación, creadores digitales, comunidades, eventos profesionales y una cantidad mucho mayor de información disponible. El mapeo realizado por el Ministerio de Cultura muestra que ya se está analizando la educación audiovisual federal en relación con distintos vínculos en la cadena de producción, incluyendo producción, postproducción, accesibilidad, conservación, eventos, relación con empresas e instituciones y otras dimensiones de actividad. Eso no significa que el camino esté listo. Significa que es más visible. Y la visibilidad es también una forma de acceso.
Es en este espacio que entiendo mi trabajo como curador. No como alguien que determina lo que serán las próximas voces del cine, sino como alguien que ayuda a ponerlas en contacto. Si los maestros y profesionales formaban parte de las referencias que hicieron del cine una posibilidad para mí, y si creadores como Lully, Rafa Dias y Carol Madeira demostraron que era posible construir una relación profesional con el audiovisual de nuevas formas de comunicación, yo intento continuidad Es una charla sobre referencias, pero también sobre responsabilidad. El título nos hace elegir, pero la curaduría me lleva a una siguiente pregunta: ¿qué referencias estamos poniendo ante quién todavía estamos eligiendo? No creo que haya una sola respuesta. Cada persona viene al cine en un camino diferente, y es precisamente esta diversidad de trayectorias que hace el mercado más amplio. Lo que podemos hacer es asegurarnos de que estos caminos sean un poco más visibles que los que vinieron antes. Agradezco a los maestros y profesionales que formaron parte de mi formación y que me ayudaron a entender el cine más allá de la pantalla. Y cuando pienso en la programación que construyo hoy, intento devolver parte de este aprendizaje de la manera que puedo: crear espacios para el conocimiento, la experiencia y nuevas preguntas para conocer. Para aquellos que todavía están descubriendo si el cine puede ser una profesión, tal vez esa es una de las contribuciones más concretas que podemos ofrecer. No una promesa de camino fácil, sino la posibilidad de ver que el camino existe.
Los temas presentados en este artículo son parte de las discusiones que mueven el mercado audiovisual y estarán presentes, como subtemas, en la programación de paneles, conferencias y debates de EXPOCINE 2026. Entre el 29 de septiembre y el 2 de octubre, en São Paulo, los principales profesionales de la producción, distribución, exposición y otros segmentos de la industria se reúnen para discutir tendencias, retos y oportunidades que impactan el futuro del cine. expocine.com.br
Gabriel Neves
Contenido y curación de la EXPOCINA
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